Immaginiamo.
Sono gli anni 90. Siamo in uno studio televisivo, in un qualsiasi programma gestito da uno qualsiasi dei tanti conduttori del tempo. Nello studio tutti gli invitati, uomini, ben vestiti e impomatati, giacca e cravatta, o farfallino, per dare al tutto un tono di professionalità, aspettano che lei arrivi.
Moana.
Il pubblico freme, chissà che cosa indosserà questa volta… sarà come nei video? (Quei video…).
Le domande sono pronte, scritte nei vari taccuini; intelligenti, sagaci, alcune un po’ piccanti, di cui tutti hanno già deciso quali saranno, o dovranno, o dovrebbero essere le risposte giuste. Lei, però, questa volta, non arriva…
“Moan*ing” è una ricerca coreografica ispirata alla figura di Moana Pozzi, iconica personalità italiana degli anni Novanta, conosciuta inizialmente come attrice pornografica ma successivamente attiva anche come opinionista televisiva e figura politica. Morta molto giovane, è rimasta nell’immaginario collettivo come simbolo di libertà, coraggio e indipendenza all’interno di una società che spesso chiede alle donne — così come a tutte le altre soggettività considerate non conformi — di adeguarsi a determinati modelli di comportamento e di rappresentazione. Dove si trova il confine tra autodeterminazione e sfruttamento, tra
piacere e consumo, tra libertà e manipolazione? Che cosa significa esporre il proprio corpo davanti a un pubblico? E a chi appartiene questa esposizione?

Il mio lavoro ha sempre esplorato l’atto della performance come un equilibrio sottile tra lo sfruttamento di chi è in scena e il desiderio dello stesso interprete di essere visto, guardato, desiderato — tracciando spesso parallelismi con i sistemi di visibilità e potere che definiscono ciò che accade nel mondo della danza contemporanea. La figura di Moana mi sembra diventare estremamente simbolica rispetto a questa ricerca che porto avanti da anni, capace di offrire punti di vista nuovi su un tema
che mi accompagna da tempo. Lungi però dal volere presentare un ritratto biografico della sua vita, questo progetto prende slancio dalla sua figura unica per interrogarsi attorno a questi ed altri temi.

Attraverso una ricerca che combina movimento, voce, testo e corpi, Moan*ing vuole costruire un paesaggio scenico in cui gli interpreti si vedono costretti, sempre, a giocare dei ruoli prestabiliti senza sapere (o volere?) come uscirne.
L’ispirazione per questa ricerca è arrivata da una serie di video interviste riemerse dalla giungla di Instagram in cui Moana risponde, con grande forza e senza traccia di moralismo, a domande, spesso ben oltre il limite dell’accettabile, poste, sempre, da uomini. Lei immancabilmente elegante, seducente, scollata, esposta come un trofeo su uno sgabello alto, gambe incrociate, ogni volta in un abito diverso, giovane, bella, bellissima. Loro più coperti, autoritari, maturi, alfa, sempre uguali in tutte le loro declinazioni di maschio.

Di questo strano ma prevedibile e grottesco teatrino però qualcosa mi ha colpito. Nonostante tutto sia costruito per renderla vulnerabile, è sempre Moana a gestire il gioco e a dettare le regole. Mi affascina il fatto che, anche se questi uomini hanno già deciso quale parte Lei debba interpretare, siano loro, senza saperlo, a essere prigionieri di un personaggio. I ruoli si capovolgono, lei condannata ma già libera, loro liberi ma in catene.
Da qua l’idea: e se provassimo a ricreare queste interviste ma eliminando, fisicamente, la sua (di Moana) presenza? Che tipo di cortocircuito si verrebbe a creare? Riusciremo a rivelare qualcosa sull’atto, così teatrale, del recitare una parte che ci è stata assegnata?

Non è mio interesse restituire un giudizio: non voglio condannare uno sguardo maschile, né assolverlo, né tanto meno costruire una figura femminile come modello superiore o vittima esemplare. Mi interessa piuttosto la discussione sul potere che si può ottenere appropriandosi di un’etichetta anche negativa — e trasformandola in arma: la forza che nasce dal reclamare la propria vergogna invece di negarla o subirla. È un potere che riconosciamo spesso nelle donne capaci di reinventare uno stigma in identità (basti pensare a Dolly Parton etc;) raramente lo cerchiamo, o lo concediamo, agli uomini. Prendere di mira chi è già
esposto al giudizio è oggi un gesto facile; più difficile, e più interessante per me, è chiedersi cosa in questo cortocircuito — che riguarda tutti, non solo Moana e i suoi intervistatori — si possa ancora amare, e persino
trovare divertente.

AMBITI DI RICERCA
Immagino il processo come un laboratorio articolato in diversi ambiti di indagine.
La prima area di ricerca riguarderà la reinterpretazione delle interviste, con un focus sulle domande, con i performer impegnati nell’esplorazione dei ruoli degli intervistatori. Vorrei affidare agli interpreti (un cast misto per genere) esclusivamente il ruolo degli uomini presenti su questi set televisivi, riprendendo e reinterpretando le figure che conducevano la maggior parte delle interviste originali a Moana Pozzi. In questa configurazione scenica, tutti gli interpreti potrebbero presentarsi come stereotipate figure virili, indossando, oltre ad eleganti abiti maschili, barbe posticce. La barba, oltre che sfoggio di testosterone, diventa un modo per poter nascondere ciò che questi personaggi non vogliono mostrare. Una divisa dentro la quale la debolezza può far finta di non esistere, una sorta di “make-up” per preservare le apparenze. Attraverso questa sorta di farsa/messinscena, mi interessa mettere in discussione le dinamiche tra chi pone le domande e chi risponde (in questo caso assente), tra potere e vulnerabilità, osservando come questi ruoli si trasformino quando vengono incarnati da corpi e identità
differenti. Il gesto che mi interessa indagare come possibile origine del conflitto drammaturgico è quello della proiezione: cosa succede quando chi intervista ha già deciso, prima ancora di incontrarla, chi Moana debba essere? L’eventuale assenza di una figura che rappresenti direttamente Moana o, più in generale, di un corpo femminile posto al centro dello sguardo, contribuirebbe inoltre a rendere visibile proprio quel vuoto. In questo modo l’attenzione si sposterebbe su chi osserva, interpreta e costruisce il racconto, evidenziando i meccanismi attraverso cui il corpo femminile viene rappresentato, desiderato, interrogato e, in ultima analisi, prodotto dallo sguardo altrui.
Su questo stesso terreno vorrei lavorare anche fisicamente sui codici dell’esibizione e della competizione maschile — la postura di chi si mostra più forte, più grande, il gesto atletico portato all’eccesso — per osservare cosa succede quando il corpo non riesce più a sostenere quell’esagerazione. Ho iniziato a esplorare questi temi in “Barbablù 2.0”, creato per la MIR Dance Company in Germania, e sono interessato a indagare ulteriormente all’interno di questo nuovo progetto.

Un secondo ambito di ricerca sarà il confronto con materiali d’archivio legati a Moana Pozzi: le risposte. Mi interessa esplorare come questi video possano ispirare il corpo sul piano fisico e ritmico. Non la Moana che geme, ma la Moana che parla. Nella mia pratica coreografica il testo registrato viene spesso separato dal suo significato letterale e utilizzato come struttura musicale o ritmica per il movimento, sia improvvisato, sia coreografato. La sua voce è sempre calma, piena di chiarezza e calore.
Vorrei indagare come i corpi dei performer reagiscono a questo strumento, al contenuto e alla forma delle frasi. Uomini che danzano sulle sue parole invece che sul suo corpo. In un certo senso però questa è una danza con un’assenza, con un
fantasma, del quale percepiamo la voce e, a volte, forse, delle tracce. Per esempio il suono dei suoi passi — tacchi alti che si spostano nello spazio, a destra e a sinistra — inseguiti dallo sguardo degli interpreti, indizi di un qualcosa di meraviglioso che era e che non è più.

Un terzo ambito di ricerca riguarderà l’atto vocale del gemito stesso (Moaning), esplorandone la relazione con il piacere, il dolore, l’esposizione e la performance. Mi interessa comprendere come il suono della voce possa diventare allo stesso tempo un impulso fisico per il movimento e la base per la costruzione di un paesaggio sonoro. Immagino questa ricerca vocale come un possibile arco degenerativo che attraversa il lavoro: si potrebbe partire da voci perfette, forse generate
dall’intelligenza artificiale, quasi appartenenti ai microfoni stessi più che agli interpreti — ogni microfono con una propria voce, interscambiabile tra gli interpreti — per lasciare poi progressivamente spazio alle voci reali, meno perfette, con le loro prime incrinature, fino a un linguaggio che si sfalda e si consuma nel gemito. Allo stesso modo, vorrei che il corpo portasse una propria traccia parallela di logoramento: il sudore, il tremore, l’affanno di chi sostiene per troppo tempo una maschera di
controllo, come prova fisica e involontaria del tempo che passa.

L’obiettivo sarà quello di rispondere attraverso il corpo e la scena a domande legate al desiderio, alla libertà, all’esposizione e all’oggettificazione del corpo. A proposito di questa lenta degenerazione verso il non-linguaggio, ho pensato ad un affascinante parallelo con una famosa favola di Roald Dahl, che per una fortunata o sfortunata ironia della sorte è chiamata “Gli Sporcelli”. In questa favola i personaggi, una coppia di individui tanto crudeli quanto sgradevoli, diventano progressivamente più brutti perché — dice Dahl — i pensieri brutti si depositano sul viso, fino a rimpicciolirsi e a sparire del tutto, lasciando solo un mucchio di vestiti vuoti. Il libro, (magie dell’inconscio), comincia con una lunga invettiva contro le barbe. Potrebbe essere un buon punto di riferimento per riuscire a mantenere uno sguardo innocente, e ironico, nei confronti di temi così
carichi di aspettative.

CAST E TEAM CREATIVO
Immagino Moan*ing come una creazione per tre interpreti: io stesso, Francesca Foscarini, e una terza interprete da selezionare tramite audizione, in un cast interamente italiano. Il progetto vede inoltre la collaborazione di Yael Biegon Citron, drammaturga e collaboratrice artistica di lunga data, attualmente residente a Roma, il cui sguardo accompagna il processo di ricerca e sviluppo — a partire da alcuni primi incontri, già effettuati, che hanno generato alcune delle piste descritte sopra.
Il disegno luci sarà firmato da Yoav Barel, presente nella fase finale del percorso. La colonna sonora nascerà dalla collaborazione con il compositore Binya Reches, prevalentemente a distanza, lungo tutto il processo.